vol. 12 núm. 12 (2015): julio - diciembre

Las tecnologías de la información y la comunicación (TIC) influyen determinantemente en el éxito o fracaso de una marca, pues actualmente las posibilidades que ofrecen los nuevos medios generan descentralización del poder, debido al acceso incontrolado de los stakeholders o públicos objetivos a la información. Es por esto que las marcas deben tener cuidado con sus estrategias de comunicación, pues la forma como se maneje la información y el conocimiento incide en la relación con el entorno social y, por ende, con la imagen proyectada en la mente de los consumidores. El presente análisis sitúa, además de la Responsabilidad Social Empresarial (RSE), al diseño como un aspecto clave en la planeación estratégica de las marcas, donde las dinámicas socioculturales condicionan la forma como estas comunican y persuaden a los stakeholders.

El espíritu pluralista y el grado de transformaciones que el diseño tiene en cuanto a la configuración de juicios éticos y estéticos, así como en la generación de creencias y opiniones, permite asegurar que la razón de ser del diseño es la comunidad. De este modo, técnicas, métodos, servicios y objetivos trazados en este campo, cobran importancia en cuanto se promuevan como soluciones que apunten al mejoramiento de las condiciones de un amplio número de personas. En ello, opera por igual la ética como la estética. En tanto cada objeto o imagen producida por el diseño genera antes que nada valores, resulta clara la manera en que de allí devienen nuevos sentidos para la esencia humana.

En este trabajo de investigación se presentan y analizan varias definiciones de retórica y el uso de esta en la imagen publicitaria que en el Ecuador se ha desarrollado entre 1930 y 1940. Como objetivo específico este trabajo pretende establecer la influencia que el uso de la retórica ha tenido en la publicidad en el período planteado, así como una proyección a la discusión profesional sobre la inercia de este instrumento en la imagen publicitaria. La publicidad en el Ecuador, así como en la mayoría de naciones, nace desde una práctica puramente empírica y por esto se vuelve sustancial analizar lo producido en épocas anteriores para establecer a futuro un antes y un después de la profesionalización y el propio derrotero que el ejercicio profesional desarrolla.

El objetivo de este artículo es explicar el nacimiento del diseño gráfico en la educación superior bogotana, puntualmente en la Universidad Nacional entre 1948 y 1963. La investigación se hizo con un enfoque cualitativo y de carácter historiográfico, basada en el trabajo con fuentes primarias tomadas de la correspondencia del Archivo de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia, complementado ello con consulta bibliográfica y entrevistas testimoniales a protagonistas del tema. Durante la primera mitad del siglo XX, en Bogotá, las artes comerciales fueron encargos publicitarios hechos a egresados de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional, y a esos operarios se les conoció como dibujantes, incluso hasta en los años 60. El concepto diseño gráfico fue una actividad transversal a los programas académicos de la Bauhaus alemana durante los 20 que se difundió mundialmente, cuando sus fundadores participaron en la apertura de un programa de diseño gráfico en Yale en 1950. Luego el concepto llegó a Bogotá y fue oficial cuando se abrió el pensum “Experto en Diseño Gráfico” en 1963 en la Universidad Nacional de Colombia, tras variadas modificaciones hechas a la carrera de Bellas Artes desde 1948.

El presente artículo tiene por objeto plantear una serie de criterios para pensar la planificación de la comunicación ambiental. Parte de una revisión documental de meta-planes de comunicación ambiental para determinar las lógicas bajo las cuales son diseñados los planes de comunicación ambiental. Para ello, se suman aportes de diferentes autores respecto del papel de la comunicación en la crisis ambiental de manera planificada. La hipótesis que siguió la pesquisa es que estos documentos responden a un esquema instrumental que se limita a buscar modificaciones en el comportamiento de los receptores. Finalmente, se proponen criterios alternativos que permitan un cambio en la lógica de pensar dicha planificación a partir de una comunicación enfocada en el sujeto y su formación para la transformación, desde una postura consciente y crítica de su relación de coexistencia en equilibrio con la naturaleza.

En este texto se recrea un infierno imaginado por Vilém Flusser, aquel donde no tienen tiquete de entrada demonios, solo diseñadores. Para ello, inicialmente se expone la relación del diseño con una tendencia apocalíptica señalada por el propio autor, condición proveniente de una popular obsesión modernista por el alcance de un supuesto progreso. En un segundo momento, entendiendo que los diseñadores crean puentes entre técnica y arte, se problematiza el estado de los trayectos que el diseño, en cuanto actividad proyectual, construye entre dicho infierno y un purgatorio conocido como realidad social. Finalmente, a modo de conclusiones, se analizan las contribuciones de Flusser para pensar un diseño que no solo produzca objetos, imágenes y espacios, sino un diseño que burle, responsablemente, las construcciones naturalizadas y las creencias sobre lo que significa diseñar.

Este artículo está basado en la experiencia del autor dando interpretaciones de música de ruido (noise music) o de experimentación en América Latina, Asia del Oriente y del SurOriente. En el artículo, el autor reflexiona acerca de algunas determinaciones sociales del arte y del diseño como el territorio, la identidad, las características sociales y la aceptación social. Clase, género y política son otros temas discutidos. El autor concluye que la dichas dimensiones no dan forma a la música de ruido, ellas ofrecen un lienzo sobre el cual los artistas y diseñadores pueden construir.

Este artículo presenta el proceso de mejoramiento del modelo de captura denominado “Patrones de color” realizado en 1997* , el cual estaba inscrito en el proyecto Patrones de color (Gómez et al., 1997). En este proceso de reingeniería, se plantean aspectos de actualización de captura y registro acordes con los nuevos procesos de evaluación cromática, que dan como resultado un nuevo modelo de captura. A diferencia de “Patrones de color”, se tienen en cuenta la captura y la interpretación como las variables técnicas, para ser vinculadas en estrategias metodológicas en la construcción y formulación de productos de diseño. El resultado será útil no solo en el contexto cultural sino también en el comercial e industrial. Este modelo de captura de evaluación cromática se realizó con un importante volumen de información, tanto cualitativo como cuantitativo. La revisión de los modelos iniciales se implementó en diferentes escenarios educativos, con las asignaturas de Diseño integral y Cromatismo, del programa de Diseño Visual de la Universidad de Caldas, tomando como referente central el tema: “desarrollo de carteles y empaques”. Estas experiencias permitieron concentrar, describir y diagnosticar la viabilidad del modelo de captura y el proceso de aprendizaje de los estudiantes.

El arte contemporáneo se encuentra en un territorio de límites difusos entre medios y formas de expresión que se entrecruzan cada vez más, en torno a un campo que podemos denominar praxis de diseño audiovisual. La cultura del diseño es una práctica cada vez más presente que articula, a través de estrategias de diferenciación, identidades y visibilidades en la sociedad actual. Frente a la revalorización del ocio, la expansión del espectáculo y el consumo masivo, el museo de arte contemporáneo sufre una transformación: continente y contenido se vuelven imagen bajo un paradigma de museo-espectáculo muy presente en las grandes ciudades. En el ámbito del museo, diseño y arte contemporáneo despliegan prácticas que plantean desafíos hacia un espectador activo y convierten estos espacios en experiencias de consumo. ¿Qué implica diseñar hoy para un museo contemporáneo? A partir del análisis de dos casos de estudio recientes de la ciudad de Buenos Aires, se exploran posibles respuestas a este interrogante. El arte contemporáneo, los medios y el diseño expositivo determinan dispositivos de consumo en el espacio del arte contemporáneo. El museo se convirtió en un lugar que desplaza los límites del consumo y la contemplación del arte, para pasar a ser un espacio de espectacularidad con grandes eventos en torno a las exposiciones y a la seducción de un público que en el siglo XXI demanda múltiples variables de entretenimiento en torno al museo como experiencia.

El presente artículo, derivado del proyecto de investigación “Diagnóstico de necesidades formativas en materia de ecoturismo y recursos naturales en la provincia de Tungurahua”, aborda el proceso de creación de marca destino para Tisaleo, un pequeño cantón de la sierra andina ecuatoriana. El trabajo contrasta dos perspectivas sobre la imagen turística y su efecto como reclamo desde un enfoque cualitativo. Por un lado, un grupo de diseñadores gráficos locales proponen una serie de manuales de identidad corporativa que atienden a las características que han percibido como significativas en el cantón. Por otro lado, un equipo de investigación interdisciplinar e internacional elabora un informe sobre los atractivos potenciales para un segmento de viajeros interesados en el turismo basado en el “paisaje cultural”. La disertación final concluye que la imagen de un destino turístico, además de representar las características propias del lugar físico, debe tener en cuenta que la mirada del visitante se pueda asociar en su imaginario a algún elemento evocador de lo que espera encontrar el perfil de viajero al que se quiere atraer.

El artículo hace referencia a los aspectos artísticos figurativos y técnicos de la aplicación de las tecnologías de “chi flexible” en el arte de la tapicería moderna de Kazajstán. Esta tecnología fue desarrollada y denominada así por el artista Mukanov Floberovich Malik, quien los incluye en tapices de su autoría. También es uno de los co-autores de este artículo. Con base en ejemplos de los estudios de bellas artes aplicados a sus tapices, la conclusión a que se llega señala que los maestros modernos de la industria textil artística deben buscar constantemente nuevas formas figurativas y medios de la autoexpresión creative; que los aspectos tecnológicos de tales búsquedas no deben convertirse en un fin en sí mismo de la expresión creativa, sometiéndose a la tarea principal en la construcción de lo nacional-original, recordando lo que significa una imagen artística.

La dinámica actual de la sociedad con sus espacios se debe primordialmente a las posibilidades tecnológicas, la producción y el consumo. Las implicaciones de esta actual relación que prevalece denota en los espacios desprolijidad, extinción cultural, y nuevas identidades. Por lo anterior y en este sentido de entropía el artículo propone un modelo que articula categorías socioespaciales para comprender y participar en la transformación del espacio, dicho modelo tiene el fin de contribuir mediante la comunicación participativa en diversos espacios y con beneficios en el aspecto comunitario, cultural e identitario. Necesariamente al transformar estos espacios habrá que estar atentos, conocer los cambios sociales y los comportamientos de los actores para así trascender la improvisación y la supremacía de entidades dominantes.

En el presente trabajo se interpretaron –desde perspectivas de diseño y responsabilidad social– las campañas medioambientales ubicadas en las Instituciones de Educación Superior –IES– de Pereira (Colombia), en busca de reconocer el tratamiento simbólico dado a cada una de ellas y el impacto que logran entre la sociedad contemporánea. Posteriormente, se estudió la función informativa que desempeñan los diseños infográficos y los medios digitales, y cómo promover a través de ellos campañas socioeducativas. Finalmente, el objetivo de este trabajo se concentró en implementar una campaña medioambiental a través de la infografía interactiva, asumiendo esta como un medio narrativo que facilita la comprensión de contenidos en la era digital.

El presente artículo da cuenta de la investigación “Análisis del vestuario chileno entre los años 1968-1978. Identificación de los rasgos visuales, morfológicos y técnicos que caracterizaron al fenómeno de la Moda Latinoamericana”, que tiene por finalidad dilucidar los rasgos de diferenciación con respecto a la tendencia foránea. Son cinco los exponentes que conformaron la Moda Latinoamericana chilena del período en estudio, en donde cada uno de ellos propuso un relato territorial a sus diseños. Se presentará como caso de estudio la obra textil de Nelly Alarcón.

En la actualidad, la metodología del ecodiseño aplicada al diseño de objetos presenta un gran auge, con numerosas marcas y firmas que convierten a la reducción de los impactos medioambientales en las etapas de diseño como un valor agregado al desarrollo de sus productos. Sin embargo, en cuanto al uso y aplicación del color en estas nuevas líneas de objetos es muy poco lo que se ha analizado o propuesto e incluso abordado desde el ámbito académico. Es el diseñador quien conceptualiza y otorga cualidades a un objeto, como lo es entre otras el color. En el marco del nuevo paradigma de la sustentabilidad y el trabajo de diseño pareciera que el tema del color solamente se asocia a escalas cromáticas que nos conducen a los colores neutros o a un imaginario social que se ubicaría dentro del verde. A partir del proyecto de investigación “Innovación y desarrollo de productos para el ITSPV con base en artículos de desuso” se abre un nuevo análisis y enfoque metodológico que pone al color como parte del proceso de diseño, dentro de las opciones a escoger e investigar por los diseñadores, respetando la naturaleza del planteo del ecodiseño, pero pensando cromáticamente los objetos. En el presente artículo se exhiben algunos productos y trabajos en donde el color y el ecodiseño se acercan para generar una nueva metodología de trabajo basada en la creatividad, la cromaticidad, la identidad cultural y la disminución del impacto medio ambiental en los procesos de diseño.

Presentamos con agrado el duodécimo número de la Revista Kepes, del Grupo de Estudios en Diseño Visual, el cual se constituye en la segunda entrega del año 2015. El cambio en la periodicidad de la revista ha tenido un impacto positivo en todos los aspectos de la edición, tanto en el aumento de postulaciones recibidas, como en el número de artículos divulgados anualmente y en la integración a este proceso de nuevos profesores e investigadores adscritos a universidades nacionales e internacionales. Las reflexiones que sobre la disciplina del diseño se han reunido en este fascículo, dan continuidad al carácter plural y complementario que caracteriza nuestra publicación, aspecto que se ilustra con los trabajos abajo descritos.

En los últimos años ha surgido un tipo particular de videojuegos, a los que llamamos críticos, donde se exponen determinados problemas sociales invitando al jugador a reflexionar al respecto. Este artículo enuncia algunos de los hallazgos más destacados del estudio de este fenómeno que dan pistas sobre la manera en que el videojuego produce significados, siguiendo esta tendencia se enfoca en algunos principios de diseño valiéndose de un estudio de caso que da cuenta del desarrollo de un videojuego de estas características, donde se busca llamar la atención sobre el problema de la desigualdad social. La estructura de análisis realizada, sumada a los aspectos metodológicos tenidos en cuenta para el videojuego diseñado, son aportes para quien esté interesado en este campo.