vol. 12 núm. 21 (2017): enero-junio

Reseña de la exposición “Entre la alegría y la desesperación”, realizada en el Archivo Museo de la Fotografía de Ciudad de México, entre diciembre de 2016 y febrero de 2017, muestra individual del fotógrafo mexicano Antonio Turok que recoge su experiencia en los conflictos armados del fin del Siglo XX en América Central: Nicaragua, El Salvador, Guatemala y México. 

El ensayo propone una lectura de la obra de Lucena entre 1967 y 1970: su cambio de enfoque, que coincide con su militancia en el MOIR - Movimiento Obrero Independiente Revolucionario, impone un giro en su mirada sin estricta contradicción con su pensamiento: lo que desde 1971 se convierte en un arte entregado a la propaganda del movimiento social, había sido una campaña de contra-propaganda de la burguesía (particularmente, aquella que pretendía producir el confinamiento de la mujer al matrimonio y su autoridad en el campo de la belleza para consolidar su docilidad y disuadirla de una concreta acción en los ámbitos político-partidarios): enajenación impuesta por un aparato ideológico revestido de oficialidad política, que restringe particularmente en Colombia el lugar de la mujer, y que ella parodia con crueldad. En adelante, los conflictos de género serán difuminados mermando su visión crítica en favor de una unidad de partido: sus escritos de los ochenta sobre la liberación femenina exhortan a las mujeres a identificar el origen capitalista de la opresión de género, reclamando a líderes del movimiento social, tanto hombres como mujeres, a no aplazar en nombre del socialismo esta lucha por la liberación femenina.

En este ensayo hago un estudio acerca de los procesos realizados en la Facultad de Artes de la ASAB, a propósito de la culminación del proyecto del semillero de investigación Dinámicas Artísticas del Arte Contemporáneo, el “Camino a San Moritz”. Se exponen los criterios que indeterminan la producción de las figuras artísticas puestas en gesto en la acción performática con la cual se cierra este proyecto de investigación-creación. Se presenta la noción de memoria emotiva como la realidad en la cual emerge un proceso creativo. Se caracteriza la especificidad del ethos artístico como realidad alterna al ethos científico. Se hace el informe de los logros de la acción performática llevada a cabo en la calle 16 entre carreras Séptima y Octava de Bogotá. 

En diferentes contextos metropolitanos de Argentina se encuentran murales con retratos de jóvenes fallecidos como consecuencia de situaciones de violencia intrabarrial o institucional. Sus compañeros de junta se hacen cargo del aparente homenaje, apelando a la plástica como mediación para sacralizar un espacio y elaborar colectivamente la muerte del par. La construcción del dispositivo de visibilidad revela uno de los sentidos posibles de las artes visuales en sectores populares y expone la remanida pregunta en torno al arte popular y su discutible autonomía con otros ámbitos de la cultura. En esa clave, la presentación del registro fotográfico que constituye parte del presente artículo, supone indagar asimismo por los fundamentos del arte y las concepciones estéticas vigentes en contextos de redes sociales, reproductibilidad masiva de la imagen y nuevas formas de sensibilidad en contextos barriales.

Este artículo intenta reseñar, comentar y reflexionar sobre la participación del profesor colombiano Carlos Araque, en su escrito: Creación – personaje - investigación, que presentó a manera de conferencia en el VII Coloquio Internacional de Arte, Arquitectura, Diseño y Urbanismo, organizado por el Departamento de Teorías e Historias del Centro Universitario de Arte, Arquitectura y Diseño de la Universdiad de Guadalajara, realizado del 22 al 24 de octubre de 2014, en las instalaciones de la División de Artes y Humanidades del mismo Centro Universitario. 

Bajo la premisa de conceptos como “saberes difíciles” y “sueño curatorial”, de Erica Lehrer y otras académicas, este artículo documenta la curaduría de una exposición artística en torno a estudiantes de Ayotzinapa, México, muertos o desaparecidos en 2014. Debido en parte al seminario en que fue diseñado y en parte a circunstancias sociales en México y Canadá, este proyecto curatorial no se concretó. Sin embargo, este artículo propone analizar la distribución de conocimiento en torno a eventos pasados traumáticos y polémicos, así como acercarse a la curaduría como un proceso continuo sin final predeterminado. Incluye reflexiones con temas afines a Colombia y Québec (dos sociedades con las que el autor busca dialogar), como son el papel del arte en la resolución de conflictos sociales, la agencia de los movimientos estudiantiles y la defensa del derecho a disentir

El estudio sobre la pintura de los indios colombianos realizado, en la primera parte del siglo XX, por el artista e intelectual bachué Luis Alberto Acuña –en su empeño por aportar a la construcción de una cultura universal con participación de un hombre moderno americano, construido sobre parámetros de conciencia de una ciudadanía nacional colombiana–, se inscribió en representaciones de inferioridad racial indígena, en virtud de la condición primitiva de su órgano visual, que limitaría la percepción de los colores azul y verde y se expresaría en la subsecuente ausencia de palabras de diferenciación entre ellos. El diálogo con el sabedor Isaías Román, sobre las dimensiones vitales, existenciales y epistémicas de la unidad conceptual azul-verde en el idioma Uitoto-Mɨnɨka, nos invita a la reflexión sobre los modos en que construimos nuestros estilos de representación, como subjetividades individuales y colectivas, y sobre su posicionamiento, respecto a los discursos hegemónicos

Este artículo presenta la caracterización de los asistentes a algunos espacios de formación de danzas del occidente de África, en Bogotá, principalmente del grupo étnico Malinké. Se describen las representaciones que soportan el consumo cultural de las danzas en mención, e igualmente se identifica que priman intereses de enriquecimiento personal, disfrute y relajación, los cuales obedecen, en parte, a miradas esencialistas sobre lo que representa África, sus danzas y la racialización de los cuerpos. Dichas construcciones resultan ser fundamentales para la circulación y el consumo de prácticas artísticas afro, principalmente por personas que se reconocen como mestizas y blancas. El estudio se realizó a partir de la aplicación de encuestas y de entrevistas semiestructuradas a participantes de proyectos culturales en Bogotá, como Arte sin Pausa, Zajana Danza, Nimba y Zarabanda.

Se propone una reflexión y evaluación crítica de De límites y convergencias: la relación palabra/imagen en la cultura visual latinoamericana del siglo XX de Mario Boido (2012), en tanto aporte a los estudios sobre vínculos entre imagen y palabra. Nos abocamos a una lectura detenida del mismo, que subraya su particular perspectiva latinoamericana y su concepción de una cultura visual continental.

Solución: es un concepto que surge de un conflicto , en la interrelación entre conflicto y solución ha tenido lugar el despliegue del saber humano. La solución fluye desde la ejecución y puesta en marcha de un procedimiento con miras hacia una verdad . Ahora bien, al comprender el conflicto como un estado en el que oscilan dos posibilidades adversas que alteran la proyección u horizonte de algún objetivo, tiene cabida el arte como una importante posibilidad que abre el camino a un sinnúmero de formas procedimentales, transversales y sensibles del ser humano sobre el mundo. Así, desde la perspectiva de Joseph Beuys, por ejemplo, adviene la figura del chaman y su espiritualidad curativa, su intervención ritual por y sobre los conflictos; el curar se define como sinónimo de purificación, de selección y de evidencia de algo para su respectiva solución; en los saberes otros, enunciados desde la visión de algunos médicos tradicionales, sanar es cerrar heridas, borrar huellas por medio del saber, del sentir y del hacer; se trata de desvanecer ciertos conflictos que desarmonizan el el andar humano por el mundo.

Este ensayo es un intento por ampliar los horizontes o los contornos de lo que he denominado el teatro poshistórico. En él indago básicamente dos nuevos elementos: el cuerpo y su relación con este tipo de teatro y los escenarios que habitamos, ya sean teatrales o sociales, y su relación con la historia de nuestro país y de nuestra cultura. En los dos casos, tanto el cuerpo como la historia, han sido manipulados, de acuerdo con intereses y circunstancias políticas, económicas y sociales y es por esto que considero que deben ser vistos desde otras perspectivas y teniendo en cuenta otros puntos de vista. Incluirlos en el concepto de lo poshistórico es un esfuerzo por ir generando unos nuevos marcos teóricos y conceptuales sobre estos temas afines a las artes escénicas, pero que en principio no se abordan por considerarlos específicos de la filosofía y no del pensamiento artístico teatral. 

Walter Benjamin planteó un nuevo tipo de historiador, aquel que se encargaba de los desechos, que tenía el trapero asido de la mano para poder ver en los pequeños detalles los vestigios de una historia que siempre está por contarse, por recomenzar su narrativa. Esa historia cuyo principio, según el teórico alemán, obedece a la lógica del montaje, compuesta de fragmentos, no solo se refiere a un pasado sino que además está en tensión con el presente y el porvenir. La tesis que se plantea es que la fotografía sigue los principios del montaje y sirve de estrategia para contar las historias del horror del conflicto armado colombiano. Algunos ejemplos sirven para ilustrar la tesis. Entre las conclusiones se resalta el poder de la imagen para redimir la memoria de los oprimidos y mostrar lo oculto o invisible del conflicto armado.