vol. 11 núm. 19 (2016): el arte del conflicto

Política de los recuerdos y los olvidos. Zapping Zone una instalación de Chris MarkerRESUMENChris Marker es autor de una extensa obra audiovisual, a través de la cual trata de hallar una política de la forma capaz de constituir las imágenes como memoria colectiva. Su trayectoria artística está marcada por una intensa experimentación técnica y estilística en torno a la imagen audiovisual. Esta experimentación le conducirá a romper constantemente los moldes, llevando su propia expresión más allá de la inflexibilidad de las tradiciones y las disciplinas. Este ensayo regresa concretamente sobre un proyecto tardío, su instalación interactiva Zapping Zone, para analizar las técnicas de ensamblaje y las tácticas empleadas respecto al visitante de la instalación. La obra es un buen ejemplo de un personalísimo trabajo centrado en la escritura de la historia y en los procesos de la memoria colectiva. En ella, Marker no trata de imitar o reproducir los mecanismos individuales y sociales, sino justamente de crear las condiciones técnicas y estéticas para la producción de nuevas formas de recuerdo y olvido.PALABRAS CLAVEArte contemporáneo, audiovisual, memoria, técnicas de montaje, olvido, Zapping ZonePOLICY OF RECALLING AND FORGETFULNESS. ZAPPING ZONE A CHRIS MARKER’S INSTALLATIONABSTRACTChris Marker is the author of an extensive visual artwork in which he intends to develop a politic of shape able to construct images as collective memories. The author’s artistic trajectory is considerably influenced by an intense technical and esthetic experimentation related to audiovisual image. The experimentation technique allows the author to constantly break traditions providing the chance to place his artwork at an upper level, exceeding the inflexibility of tradition and discipline. This essay takes a retrospective look at a late project, its interactive installation Zapping Zone with the purpose of analyzing the assembly and the used tactics regarding visitors who attend to the installation. This work is a good example of an outstanding devoted concern to history of writing and processes of collective memory. Marker not only pretends to imitate or reproduce social and individual mechanisms, but also attempts to create technical and esthetic conditions as new options for forgetting and recalling.KEY WORDSContemporary art, audiovisual, recalling, mounting technique, forgetfulness, Zapping Zone.IUIARISPA KUNGARISKAmANDA zAPPING zONE CHURASKAKUNA SUTI CHIS MARKERMAILLALACHISKASug iaha runa suti Chis Marker kawachikame sug, rurai chipi munakume kawachingapa tukuipa iuiakuna kai runa kami ajai racha unai kaipi trabajaska iachami allilla chimanda mailla maillla allichispa ringapa suma kidangami churangapami kankuna sug rurai kaawngapa allillachu kudaku suti Zapping Zone allichispa tukuikuna kawangapa. Kaipi iuiarispa ñugpamnda kawachinaku Kai kilkaipi ruraka runa suti Marker, mana kungarringapa iuiaikuna kaugsakangapa.RIMANGAPA MINISTISKAKUNA Ñugamanda rurai, kawachispa, iuiai, allilla churangapa, kungarri Zapping Zone.POLITIQUE DES SOUVENIRS ET DE CE QU’ON OUBLIE. ZAPPING ZONE UNE INSTALLATION À CHRIS MARKER RÉSUMÉChris Marker c’est un auteur d’une grande œuvre audiovisuelle, à travers laquelle il essaie de trouver une politique capable de constituer les images comme mémoire collective. Son parcours artistique est marqué pour une intense expérimentation technique autour l’image audiovisuelle. Cette expérimentation lui fait rompre régulièrement les schémas, en emmenant sa propre expression au-delà des inflexions des traditions et des disciplines. Cet essai retourne directement sur un projet tardif ; proprement de son installation Zapping Zone, pour analyser les techniques d’assemblage et tactiques utilisées vis au visiteur du montage. L’œuvre est un exemple parfait du travail personnel centré dans l’écriture de l’histoire et dans les processus de la mémoire commune. Dans celle-ci, MARKER n’essaie pas d’imiter ou reproduire les mécanismes soient individuels ou sociaux, par contre de créer les conditions techniques et esthétiques pour la production de nouvelles formes de souvenir et d’oubli.MOTS CLÉSArt contemporain, audiovisuel, mémoire, techniques de montage, oubli, Zapping Zone.

La relación entre ficción e invención como críticas a la formación de regímenes de representación permite generar movimientos y fisuras en la transición entre la representación moderna y la irrepresentabilidad posmoderna, cuestión que implica una posible desconstrucción artística, relacionada con la “ontología del accidente” y la “plasticidad destructiva” como expresiones límite de la representación, que expondría las particularidades de una estética de la inconstancia, como dimensión en la que se hace patente una autodesconstrucción de un régimen de representación del ser, que podría ser asumida como una temporalidad crítica expuesta en la ficción, como tiempo de lo póstumo, capaz de generar espacios de encuentro creativo a partir del disenso.

El artículo busca indagar desde perspectivas de la antropología de la danza, estudios de cuerpo, género y otras, el legado de la maestra Sonia Osorio (1928-2011), quien durante más de 60 años logró representar a Colombia nacional e internacionalmente como un país sexy, diverso y unificado. Se demuestra el análisis de la coreografía del Mapalé, que fue emblemática del Ballet de Colombia, el cual dirigió hasta su muerte. Su legado hegemónico por largos años y en conflicto con otras figuras de la danza en Colombia, cuya investigación vengo adelantando, hace parte de lo que he llamado “los itinerarios de formación del cuerpo de la mujer como espectáculo de la nación”.

El presente artículo analiza e interpreta tres congregaciones cristianas evangélicas que hacen vida permanente en el Museo de Arte Carmelo Fernández, desde hace algunos años. En este sentido se indagará en varios aspectos: 1). El Museo como “templo sagrado” y cuerpo expositivo resultado de complejos procesos vinculados a la memoria y la nación. 2) El Museo de las nuevas audiencias: visitante-creyente-cliente, los cuales asisten al museo producto de la sacralización y alquiler de las salas expositivas. 3) Las salas de exhibición como servicio dominical a través de alabanzas y adoraciones a Dios en el templo del arte. 

RELATO DE VIDA Y ANÁLISIS DE LA OBRA DE UN ARTISTA VISUAL, HIJO DE Ex PRESIDIARIO POLíTICO DE LA DICTADURA CíVICO-MILITAR CHILENARESUMEN El planteamiento del presente trabajo mostrará, a través de un diseño exploratorio-comprensivo de caso único, la influencia de la transmisión intergeneracional de memorias asociadas a la violencia política de la dictadura cívico-militar en la obra de un artista de la generación posdictatorial chilena. Mario Navarro, destacado artista visual chileno, hijo de un detenido político en la dictadura, fue el autor de este estudio. Se usó el relato de vida como técnica de producción de datos e imágenes de las obras entregadas por el artista, y se realizó un análisis narrativo de estos y observación formal de las obras visuales. Los principales resultados del estudio indican que parte de la elección de vida profesional y algunos de los resultados de obras visuales del artista contienen influencia intergeneracional indirecta de la experiencia de detención política del padre.PALABRAS CLAVEArte, memoria, transmisión y trauma psicosocial.ACCOUNT OF LIFE AND ANALYSIS OF A VISUAL ARTIST WORK, SON OF A POLITICAL Ex-CONVICT AT CHILEAN CIVIC-MILITARY DICTATORSHIP ABSTRACTThe artwork of Mario Navarro, who is a recognized postdictatorship Chilean visual artist and whose father was a political prisoner at the civic-military dictatorship, is presented in this study. Through a comprehensive exploratory unique case, this piece of work shows the influence of intergenerational transition of memories associated with political violence at the Chilean civicmilitary dictatorship. A life account and art creations made by the artist were used as data production technique, moreover a narrative analysis of these two items and formal observation of the visual pieces of work were also taken into consideration. The main results of the research show that part of the professional life choice and some of the artist’s visual works are considerably influenced by an indirect intergenerational political detention experience the artist’s father had to face.KEY WORDSArts, memory, transmission, and psychological trauma.ÑUGPAMANDA KAUSAIKUNA SUG RUNPA AMBRA KAASKA KAUI RUNA KASKA DICTARUDA KAADUR CHILEMANDAMAILLALLACHISKAKaipi kawachiku imasami kallariskakuna kachingapa, kausai ñugpamanda chasa mailla mailla kallaruku ruraikuna kaachispa allillakuna, chasallata jirú kauai kuna sug runa Mario Navarro suti, rigsiska kawadur Chilepe kausag, pai kami sug runaa wambra llapa iacha paimanda parlaska kawachispa uiachispa neku imasami kaska paipa taita chasallata munaku kawachinga.

Como cada año, comenzamos los preparativos del Encuentro de la Red Latinoamericana de Creación e Investigación Teatral Universitaria (RED CITU), organización académica que reúne a la comunidad estudiantil y docente de once universidades latinoamericanas en una exploración teatral única, realizar un proceso inédito de exploración escénica, sobre temas de interés académico común. En el año 2015 se celebró el Delta 6 a la Universidad de Antioquia, Medellín, Colombia; el evento estuvo planificado del 19 al 27 de septiembre. Cada equipo de las once universidades participantes tuvo una gran tarea que cumplir, indagar sobre la propuesta académica establecida por la universidad sede, en esta ocasión determinada como, el montaje de la obra La Tortura, de Enrique Buenaventura, observando los principios del Método de creación colectiva, legado del maestro Enrique Buenaventura al teatro universal. Como parte de la planificación del evento en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, cada año iniciamos el proceso con la presentación del proyecto a la Dirección de la Escuela de Artes, para contar con el soporte económico y dar inicio a la recopilación de materiales, requerimientos del encuentro, investigación sobre el tema por tratar e integración del equipo que estará a cargo de la realización del proyecto. El encuentro anual de la Red CITU (en la modalidad Delta) es esperado con mucho interés y entusiasmo por la comunidad estudiantil de la Licenciatura en Arte Dramático, Escuela de Artes de la BUAP. Los estudiantes preguntan, se informan, se preparan, ensayan para ser los elegidos en la audición, a la cual se convoca de manera abierta a toda la comunidad estudiantil de los últimos dos años de la carrera.

Pocos temas son tan delicados y problemáticos de representar como el de la memoria de la guerra: cúmulos de testimonios, imágenes y relatos presentan al artista-investigador un reto formal, epistémico y ético. Usando como ejemplo la instalación titulada Sudarios, realizada por la artista colombiana Erika Diettes (Cali, 1978), este artículo reflexiona sobre el actual “boom” de prácticas artísticas que representan la guerra en Colombia. Se argumentará que las lógicas del “repudio a la guerra” y el “homenaje a las víctimas”, vehiculadas acríticamente por algunas obras de arte, pueden estar re-produciendo formas de subjetividad en la que toda identidad es aplanada, donde la historia es suspendida y los conflictos pospuestos. Así, suprimir la complejidad del fenómeno de la guerra (con sus determinaciones económicas, políticas, históricas, ideológicas, entre otros) estaría propiciando el despliegue de sentimientos morales que pueden ser absorbidos por el poder hegemónico.

Dos autoras cuestionan los conceptos de vacío y cuerpo, al trabajar una fuerte relación con la maternidad, la no maternidad y la angustia. El artículo expone nueve contenidos relativos al cuerpo, entrama distintos ámbitos discursivos, como: el visual, el expresivo, el somático y el conceptual. El cuerpo como objeto de investigación se somete aquí a la confrontación de dos posiciones: una desde el ámbito de las sensaciones llevadas a un plano conceptual, la otra vinculada con la imposición del cuerpo-carne como territorio orgánico que acapara todas las relaciones del sujeto con el mundo. En la forma del texto es evidente la presencia del otro como cuerpo que se discute a sí mismo. El cuerpo es expuesto como dimensión dialógica. El texto está propuesto en los márgenes disciplinares de los estudios visuales, y su desarrollo hace aportaciones a la discusión contemporánea sobre la imagen.

A poco menos de un mes de la realización del plebiscito en que el país debe ratificar o rechazar los acuerdos de paz firmados entre el gobierno y las FARC, presentamos la primera de dos ediciones de Calle 14 dedicadas al tema de “Arte y Conflicto”. Desde la “trinchera” del arte hemos hablado y obrado en torno al conflicto en Colombia. El arte y los artistas han estado presentes, y su participación ha sido tenida en cuenta con mayor o menor importancia según los casos. En la actual coyuntura afirmamos que la visión del arte debe aportar a la reconstrucción de la sociedad, pero su aporte real no puede consistir en acompañar la fiesta. Desde el arte se ve un mundo y sus diseños se soportan en un conocimiento que la sociedad ha de reconocer, como ha de reconocer el aporte de las ciencias, para lograr un modelo a la medida de los seres humanos, sensibles, razonables, creativos. Ya Luis Vargas Tejada, el dramaturgo conspirador, había creado en los inicios de la república una imagen dramática de la agonía de la gran Colombia con su obra póstuma “Doraminta”, escrita desde la “cueva de la resignación”, donde permaneció cerca de un año ocultándose de la justicia por su participación en el atentado septembrino contra la vida de Bolívar. Pero la imagen visual del periodo de la independencia la construyó José María Espinoza, el “abanderado de Nariño”, con el registro pictórico de los próceres y sus batallas, indispensable a la hora de pensar la nación. No menos ocurrió con la música, que se ejecutó en campos, iglesias y salones, acompañando los ejércitos, celebrando sus acuerdos o criticando sus acciones. A lo largo de nuestra historia republicana el arte ha tenido presencia en los procesos sociales. Hoy reclamamos como un derecho, pero también como nuestro deber, un espacio para el arte en el mundo que se aproxima y respeto para las visiones que desde allí se plantean.

Es un texto escrito con libertad, con influencias múltiples, pero ensayando un discurso o relato propio sobre el contexto social, político y cultural en que se realiza el ejercicio artístico. Ensaya la tesis de que vivimos la transición entre una época y otra, transición señalada como disolución de la modernidad (regida por el autoritarismo de la mercancía) y germinación de probables sociedades plurales y horizontales. Recoge como muestra de la sociedad la población del habitante de calle, el nómada urbano, y el arte, desde su naturaleza, como ejemplo transformador, de apertura a posibilidades y alternativas de vida. Indaga sobre el conflicto, el social, el intersubjetivo, el existencial y el propio del arte. Especula sobre la dimensión virtual, la fragmentación, la unidad y el armónico, en el intento de radiografiar el coágulo vital-social y cultural que experimentamos, y en la necesidad de escrutar el concepto de realidad. Es una aproximación, un ensayo abierto, en un lenguaje abierto.

El texto plantea una mirada crítica al papel actual de la partitura convencional occidental dentro de la educación musical formal y, propone, a partir de una reflexión sobre el carácter ontológico de la partitura como herramienta de uso descriptivo y prescriptivo (siguiendo la propuesta del musicólogo Charles Seeger), tres consecuencias pedagógicas que se desprenden de relativizar la importancia de la partitura en los tiempos actuales: ampliar la noción de notación musical, privilegiar una educación musical sonoro-corporal, y hacer un uso mayor de las nuevas tecnologías de grabación y reproducción en el aula. La conclusión es que una relativización de la partitura debe llevarnos a una educación musical necesariamente menos racionalizada y más sonoro-corporal, menos leída y más vivida. PALABRAS CLAVE Música, educación musical, partituras, pedagogía. RELATED TO SCORE SIGNIFICANCE IN MUSICAL EDUCATION: SOME PEDAGOGICAL CONSEQUENCES ABSTRACT This written piece of work proposes a critic look at the actual role the occidental conventional score has in the formal education level. Moreover, following Charles Seeger’s musicologist proposal, this text also intends to show a reflection on the ontological character of scores as a tool of descriptive and prescriptive use, resulting three pedagogical consequences appearing from making the score importance relative at present. In other words, widening the musical notation notion, giving privilege to a resonant-corporal musical education, and insisting on a better use of technologies in recording and reproduction techniques in the classroom. As a final point, it is important to highlight that making the score importance relative can lead us to a resonantcorporal education instead of to a rationalized one which consequently may not be widely read but lived.  KEY WORDS Music, musical education, scores, pedagogy.  RELATIVIZACIÓN AJAI MINISTIDU IACHACHINGAPA TUNAPI TUKUIKUNATA KAWANCHINGAPA MAILLALLACHISKA   Ninakumi imasami kawankuna mana allilla kai kilkaita,tukuikuna iachachispa allilla kaachispa parlaspa kusaikuna suti intilógia sug rurai ministdu sug runa suti Charles Seeger, rimariska pai iachachi kallarigapa tukui munaskakunata tunai rurangapa Maskaspa iachachingapa kunauramanda kunata, kachu mas kilkaska kausaskata parlachukuna Chasa allilla kawaringami. RIMANGAPA MINISTISKAKUNA Tunai tunangapa ichachii, ruraikuna pintai allilla kawaspa iachaikui. RELATIVITÉ DE L’IMPORTANCE DE LA PARTITION DANS L’ÉDUCATION MUSICALE. LES CONSÉQUENCES PÉDAGOGIQUES RÉSUMÉ Le texte propose un regard critique au rôle actuel de la partition conventionnelle d’occident dans l’éducation musicale formelle. Formule á partir de la réflexion sur le caractère ontologique de la partition comme un outil d’usage descriptif et prescriptif (en suivant la proposition du musicologue Charles SEEGER) Trois conséquences pédagogiques qui se détachent de relativiser l’importance de la partition actuellement : 1) Élargir la connaissance de notation musicale, 2) Privilégier une éducation musicale sonore-corporelle et 3) Faire une utilisation plus vaste des technologies d’enregistrement dans la salle de classe. En conclusion, une relativisation de la partition doit nous verser à une éducation musicale moins rationalisée et plus sonore-corporelle, moins lue et plus vécue. MOTS CLÉS Musique, éducation en musique, partition, pédagogie.