núm. 2 (2014)

Este artículo está construido sobre temas referentes al acto de cantar, planteado como dualidad de la mente y el cuerpo; además, en la perspectiva de introspección, aborda la implícita relación del instrumento con la técnica y con el entorno. En la justificación, se aclaran algunos conceptos alusivos al discurso como introspección y simbiosis. La introducción plantea el decurso y la perspectiva del asunto relacionado con la humanidad, muy ligado a la voz como instrumento persuasivo. Y aborda otros temas, como el canto de alto rendimiento que, como dice Arthur Samuel Joseph, “es integrar la energía de la mente, el cuerpo y el espíritu mediante esta percepción consciente” (Josep, 1999, p. 78). Además, se aborda el canto coral y, por último, se plantea un tema controversial pero de gran interés: la humanidad del cantante.

El presente texto consiste en una revisión de los conceptos principales sobre los que se basa la obra para cuarteto de cuerdas “Comentarios sobre la ininteligibilidad”. El propósito de este preámbulo es presentar las preocupaciones que tuvo el compositor en el momento de escribir su obra. Lo anterior, a través de la reflexión sobre algunas de las ideas presentadas por Lerdahl (1992) en relación, primero, con los sistemas compositivos y, segundo, con cómo las obras resultantes son percibidas y entendidas por el oyente mediante los límites cognitivos que él propone. Seguida de este preámbulo, el lector podrá encontrar, la partitura de la obra ya mencionada.

La figura de Manuel María Párraga Paredes permanece rodeada de misterio pese a su importancia para la literatura pianística nacional, este trabajo pretende resaltar la calidad de la obra de dicho compositor y su aporte al repertorio colombiano para piano del siglo XIX. A partir del análisis de la escritura pianística, la forma, la armonía y otras particularidades de la obra de Párraga, y haciendo una aproximación a la biografía y al contexto socio-político del autor en la época Neogranadina, esta edición crítica y revisada de (cuatro) de sus obras para piano, busca despertar el interés de las nuevas generaciones de músicos en la obra pianística de Párraga Paredes.

El presente artículo es un recorrido por la Teoría Generativa de la Música Tonal (GTTM, por sus iniciales en inglés) en lo correspondiente a la estructura rítmica de la música con ejemplos de pasillos colombianos exclusivamente. Cada concepto de la teoría generativa se aplica al análisis de fragmentos de pasillos en un modelo detallado y explicativo. El criterio de selección de los ejemplos es el del interés analítico; es decir, se escogieron pasillos que pudieran plantear problemas interesantes a la hora de aplicar la teoría y que sobresalieran por sus características rítmicas.

El presente artículo gira alrededor de las experiencias vividas por el intérprete desde el punto de vista de su concepción, preparación y estreno, abstrayendo las dificultades y virtudes que se sortearon en el proceso. ¿Cómo se llega a estrenar un concierto de un compositor tan relevante?, ¿por qué su nombre: Delly Inkir?, ¿cómo se prepara el estreno de un concierto?, ¿cuáles dificultades podremos sortear en su preparación?, son algunos de los interrogantes que los instrumentistas se llegan a hacer al momento de enfrentar el estreno de una obra musical. Al proponer este escrito, el autor considera que es de vital importancia contribuir a formar una opinión analítica y observadora de cuál es el papel que generan los intérpretes al aceptar el reto de estrenar una obra, bien sea en un formato sinfónico o de cámara.

Con este trabajo, se pretende realizar una aproximación desde el punto de vista de la retórica y sus figuras a la sonata en la menor KV 310 de W. A. Mozart, la cual ofrece una serie de recursos expresivos explicables a partir de la oratoria, que facilitan el entendimiento de la música desde una perspectiva más íntima y personal. La retórica, como el arte de la persuasión, sirve, entonces, como un puente para establecer una conexión entre la música escrita y la afectividad, tanto del intérprete ejecutante como del oyente.

El presente escrito exhibe un análisis de la Danza característica de Leo Brouwer a través del cual se evidencian tanto las disímiles maneras en que el compositor cubano involucra en su discurso sonoro guitarrístico elementos arquetípicos de la música tradicional de su país, como la configuración interna de la misma. Para tal propósito, y luego de resaltar un breve panorama de la música popular de dicho contexto antillano, se utilizaron, en forma articulada, dos propuestas analíticas concretas como referentes teóricos operativos: el método por categorías de Jan LaRue y la teoría reduccionista de Heinrich Schenker. En este sentido, creemos que nuestro estudio permitirá un acercamiento al discurso sonoro brouweriano bajo una perspectiva diferente a las halladas en la actualidad, con lo cual esperamos haber contribuido, de alguna manera, al estudio de dicho entorno musical iberoamericano desde el punto de vista de la musicología sistemática como marco principal de entendimiento y raciocinio.

Nuestro objeto de estudio, en este caso, se ubicó (2009) dentro de la asignatura conocida como Formas musicales, Morfología o Análisis de la Forma, cuyo estudio de las partes o fragmentos estructurales más pequeños podemos llamar “Micromorfología”. Nuestra revisión de ella partió de entenderla como aquella disciplina musicológica que se realiza en el nivel inmanente, sobre la partitura o texto musical escrito y la juzgámos (pretérito) pertinente por las siguientes razones: a) las definiciones de segmentos estructurales como motivo, pié, inciso, frase, período, figura, grupo de frases o sección y sus aplicaciones a los textos musicales, en algunos tratadistas, presentan a menudo confusión, divergencia y hasta contradicciones; b) no suele hacerse mención de aquellos segmentos de una obra que son de menor rango o centralidad y la atención suele enfocarse en aquéllos con jerarquía temática (protagónica, complementaria o antagónica). Nos basámos, en aquella indagación, en que, conceptualmente, parecía más claro considerar las duraciones o tamaños de los segmentos o sintagmas y su conmensurabilidad, sus mutuas relaciones jerárquicas, su base armónica y sus modos de unión, separadamente de los aspectos temáticos, sin desconocer las funciones estructurantes de éstos en la pieza musical.

En este estudio usamos la técnica de conteos de notas, las jerarquías tonales y el algoritmo para hallar tonalidades para evaluar de manera cuantitativa qué tanto se parecen el lenguaje musical del Renacimiento y el lenguaje tonal posterior. Los resultados muestran que hay una gran correspondencia entre las distribuciones tonales de ambos lenguajes y entre éstas y las jerarquías tonales halladas por Krumhansl y Kessler (1982). Esto sugiere que las diferencias son menores de lo que suele considerarse y que, en el Renacimiento, hay una jerarquía de tonos parecida a la del tonalismo. Por otra parte, algunos casos problemáticos muestran que el lenguaje modal favorece la ambigüedad tonal. Por último, se aporta evidencia empírica a la noción de que, en el Renacimiento, el sistema tiende, de manera progresiva en el tiempo, a dos polos: la tonalidad mayor y la tonalidad menor.