núm. 15 (2022)

Este artículo explora algunos de los cambios en las relaciones entre cuerpo y ambiente que ocurren cuando los instrumentos son aumentados por circuitos electrónicos o digitales. Tomando como punto de partida las teorías de Gregory Bateson sobre el cuerpo esquizofrénico (1973), este texto pone en escena una serie de situaciones donde la relación entre ejecutor, cuerpo e instrumento toma formas de comunicación cada vez más separadas en las cuales el cuerpo y sus significados pueden parecer una ‘metáfora no etiquetada’ de esquizofrenia. Para recorrer este proceso, una serie de instrumentos/personas se nos presentan como representantes de la ‘norma’ en la ejecución de los instrumentos acústicos y los límites extremos de identidad instrumental, y ofrecen una perspectiva crítica en el espacio que los instrumentos aumentados ocupan y transforman. Explorando algunos de estos cambios y alcanzando sus extremos, se hace hincapié en la fricción o incomodidad que acompaña esta metamorfosis. Así como el lenguaje tiene la habilidad de ‘indicar’ y el posicionamiento de una ‘auto-icona’ en su interior se revela un proceso complejo cargado de inconsistencias y potenciales malentendidos, la transformación de las identidades instrumentales no ocurre de una manera transparente y fluida, sino que deja vestigios importantes de estados previos latentes en los nuevos.

"The extended piano(s), the extended body(ies)" es un proyecto de investigación en curso, que estudia el piano como un instrumento extendido, y fue iniciada en el 2014 por el pianista y compositor Hara Alonso. A través de los años se ha ido desarrollando en diferentes direcciones y formas que incluyen la composición, la improvisación y la instalación. Laspreguntas de investigación son: ¿cómo podemos repensar el piano más allá de su historia y tecnología? ¿Cómo podemos expandirlo al incorporar métodos de composición personificados? Esta investigación pretende desarrollar herramientas que aumentenlas cualidades del piano en términos de sonido (timbre) y los elementos performativo- conceptuales a través de la improvisación, composición, elementos electroacústicos y el performance. Estos elementos mejorados han cambiado y han abierto un gran rangode posibilidades para interactuar con el piano, tanto sonora como físicamente, ampliando así las prácticas pianísticas. El cuerpo del pianista tiene un valor fundamental en la investigación como el iniciador del sonido, el gesto y la intención, siendo así el puntode partida en esta investigación. La investigación entrelaza dos ejes: 1) el piano como generador de sonido y su expansión mediante medios digitales, y 2) el cuerpo del pianista es el instrumento primario. Este artículo cubre el período de investigación desde 2014 hasta 2021, en el cual Hara Alonso desarrolló numerosos trabajos para piano extendido que se han presentado en varias actuaciones públicas.

Este artículo nace desde una conversación entre Jon Richards y Tim Shaw como respuesta al tema de la revista: Instrumentos Aumentados. En vez de enfocarse sobre un solo instrumento, los autores decidieron hablar más en general sobre sus estéticas y formas de crear instalaciones-performance. La conversación toca los temas de la aumentación, los instrumentos DIY, la imprevisibilidad, y ofrece al lector ejemplos de aparatos musicales hechos por los autores mismos. La discusión concluye con tres temas emergentes: el Reduccionismo, las Materias Primas y los Campos de Influencia. Los autores esperan que la transcripción de su conversación proporcione un punto de partida útil para los lectores interesados en el acercamiento experimental de Richards y Shaw a la música electrónica y al diseño idiosincrático de los instrumentos.

Las taxonomías de los instrumentos han sido una preocupación a lo largo de la historia. Sin embargo, las interfaces musicales que involucran el uso de algún mecanismo digital sonoro (para traducir datos que genera un usuario a través de la sonificación y generar un resultado sonoro) no encajan en las taxonomías tradicionales. Magnuson argumenta que es necesario determinar una clasificación sobre los principios de las interfaces musicales. Esto debido a que, una taxonomía de este tipo ofrece beneficios claros a los productores, intérpretes, musicólogos y compositores.  Los autores de esta investigación proponen que los docentes también son un grupo que puede beneficiarse de una taxonomía que clasifique el uso educativo de las interfaces musicales. Diversos investigadores han argumentado que existe la necesidad para evaluar el porqué y el cómo (objetivo y metodología) esta tecnología ha sido implementada en las aulas. Existen taxonomías de interfaces musicales; no obstante, dichas taxonomías se han enfocado mayoritariamente en la clasificación del diseño e interacción del usuario y parcialmente (sin profundizar) en el campo educativo. En este artículo se muestra la taxonomía que profundiza en el ámbito educativo y se somete al análisis de 4 casos internacionales en un contexto pedagógico. Los autores muestran el uso de dicha taxonomía para clasificar el cómo y el porqué (objetivo y metodología) de su implementación en el aula y además se analizan los beneficios educativos de que esta taxonomía puede promover.

El objetivo de este artículo es describir los procedimientos de escritura multimedia (EM) que han demostrado ser eficaces para resolver algunas de las dificultades a las que se enfrentan los compositores en: 1. la notación del timbre, 2. la notación de nuevos modos de ejecución, 3. la notación de nuevas técnicas vocales, 4. la notación de una lengua tonal en una partitura, 5. la notación de las instrucciones para el uso de los programas informáticos contenidos en la obra, 6. la sincronización de los músicos de tradición oral con las grabaciones de audio, y 7. la reducción del tiempo durante el aprendizaje de la obra. Para abordar estas cuestiones, utilizamos la EM en seis “experimentos” —proyectos de composición  diseñados para responder a preguntas específicas sobre la notación. Estos experimentos, y otros proyectos realizados posteriormente, nos han permitido confirmar nuestros hallazgos. En nuestros experimentos, la EM es un conjunto de procedimientos que permiten representar la información de diferentes maneras simultáneamente. Esta información puede ser texto, sonido, imágenes fijas o en movimiento, entre otros. Estos procedimientos pueden utilizarse para grabar un mensaje con el fin de guardarlo y transferirlo del compositor al intérprete. Los resultados obtenidos han permitido demostrar la eficacia de la EM para superar las actuales limitaciones del sistema de escritura musical occidental (SEMO).

Este artículo analiza las estrategias, consideraciones e implicaciones de diseñar e interpretar con una interfaz musical digital (IMD) foto-dependiente, llamada light.void ~. Esta interfaz es presentada como una réplica de light thing, una IMD ya existente, diseñada y popularizada por el artista británico Leafcutter John. La justificación para reproducir esta IMD en particular se incluye, seguida por una discusión sobre los criterios guía a la hora de establecer mapeos de datos a sonido y el tipo de posibilidades que estas decisiones pueden ofrecer, incluyendo el control del intérprete, la imprevisibilidad, la intencionalidad, la espontaneidad, la reactividad del sonido a la acción, el interés visual, etc. El resto del artículo se preocupa por elucidar la naturaleza de este instrumento musical digital, utilizando contribuciones de los investigadores de IMDs, Miranda y Wanderley, como marco analítico principal. El resultado de este proceso es un trabajo semi-improvisado titulado «Umbra», junto con la documentación pública para el diseño de la interfaz light.void~. Adicionalmente, surgen algunas preguntas relevantes con respecto a experiencia interpretativa, interpretación observada vs. no-observada, así como posibles fricciones ontológicas entre instrumento, compositor, intérprete, lutier y audiencia.

Este tratado, en parte etnográfico, en parte investigación explicativa y en parte ejercicio de escritura académica atípica, se enfoca en instrumentos musicales/multimedia (y en paradigmas de los mismos) que celebran un replanteamiento más o menos radical de la condición de ser instrumento. 'Relatos' de este tipo son narrados para demostrar la amplitud de la gran cantidad de diferentes (fascinantes) maneras en las cuales los instrumentos pueden ser mucho más de lo que la mirada dominante hylonoética sugiere. Los instrumentos se discuten en amplias secciones temáticas, elevando preocupaciones comunes y esbozando líneas de investigación relacionadas. El autor se refiere a una emergente oposición entre las perspectivas hylonoética y morfogénica, y examina asuntos de post o hiper optimización en la realización de DIY (contando un último 'relato'). Este tratado concluye con bosquejos para un trabajo futuro — para exploraciones creativas y juguetonas e instrumentos posibles (que están destinados a ser 'más que instrumentos').

Con el desarrollo de tecnologías de grabación y técnicas de manipulación audio, así como síntesis de audio, aparecieron nuevos horizontes sonoros. Al mismo tiempo, crear o reproducir estos nuevos sonidos invocó al problema de la incorporeidad y/o a un rompimiento en la relación entre el gesto físico y sonido. La comprensión del impacto que esta problemática tiene sobre nuestra percepción y entendimiento de la música se ha vuelto central bajo la luz de las nuevas prácticas creativas en las cuales el desarrollo de hardware y software forman parte del proceso creativo. Estas prácticas creativas nos fuerzan a repensar el rol de la interpretación y el medio (los instrumentos musicales) dentro de la esencia de la obra musical. En base a investigación previa, este articulo presenta un conjunto de posibles configuraciones para el diseño de hiperinstrumentos con el fin de introducir nuevas formas de pensar en la relación entre el cuerpo físico del instrumento (cuerpo sonoro), el cuerpo acústico (el fenómeno acústico manifestado en un espacio) y la interpretación.